2026年3月至4月，第三届“数字缪斯——音乐科技融创节”在上海音乐厅成功举办。这场持续两个月的盛会，汇聚6部全球首演作品、1个数字影像与声音装置展、4场特色工作坊和1场专业研讨会，紧扣“技术赋能音乐，最终如何惠及普通人？”的核心主题，首次增设“新品发布”板块，多款前沿音乐科技产品在此全球首发。

　　自2024年创办以来，音乐厅累计收到全球音乐家与科技团队投稿逾400部，12部原创音乐会作品完成全球首演，15部新媒体装置艺术面向公众首展，参与艺术家及科创人员约1380人次。三年积淀，“数字缪斯”已逐渐成为国内音乐与科技融合创新的重要孵化平台。

　　第三届音乐科技融创节全景呈现科技与艺术的深度共生，实现多维度突破与创新。其中，新增的“新品发布”板块是本届最大亮点，期音科技“别急九游娱乐 九游娱乐官方”AI原生功能性音乐播放器、LiberLive无弦吉他、音乐密码AI弹唱钢琴套件、锣钹科技真采样电吹管等产品集中亮相，通过拆解传统演奏技术壁垒，让零基础观众可快速实现自弹自唱，推动音乐科技从实验室走向大众生活，消弭了科技与大众的隔阂。

　　展演板块延续全球征集模式，从126部投稿作品中遴选4部完成全球首演，跨界融合成为核心特质。比如，《后冬之旅：循环声境》以冰块共振发声结合AI冰川影像叠化，构建跨自然与人文的声境体系；《供养》借AI“模型幻觉”探讨科技时代人类的精神困境；《兰亭·曲水流声》《空之形》则分别以肢体交互、手势交互为核心，实现传统美学与科技的融合。

　　本次融创节特邀法国动画大师、插画师格里高利・庞首度来华展演，将其独创的声绘动画创作形式引入国内舞台，带来两场极具创意的专场演出。他携手国内外艺术家与乐团，分别以交响乐、钢琴曲的现场演奏，同步呈现默片质感的实时手绘动画，突破了传统音乐会固有边界。其核心的艺术突破在于，跳出常规意义的音画同步创作逻辑，音乐与手绘动画分属两套独立的艺术语言，二者在同一舞台时空内并行生发、彼此对话。

　　格里高利·庞预先搭建了完整的叙事脉络，所有画面均为舞台临场手绘创作，在极短时间内完成视觉叙事表达。为适配手绘创作的节奏，他曾与演奏家沟通适当放缓演奏速度。这一看似简单的速度妥协，恰恰道出音乐与视觉艺术真正意义上的平等对话。演奏主动留出时间空隙，为现场绘画预留表达空间，音乐不再垄断整场演出的时间主线。于观众而言，画面绝非音乐的附属装饰，反而能够反向启发听觉想象乐思、丰富聆听体验。

　　数字装置展“城叠”以VR、AI等技术重构城市记忆，其中《摇啊摇·1995》VR作品沉浸式还原上海弄堂，兼顾本土情怀与国际传播；工作坊与专业研讨会则搭建起体验与交流平台，推动行业前沿技术探讨。

　　历经三年积淀，音乐科技融创节逐渐形成国际化程度高、跨学科突出、深耕本土文化以及交互升级等四大核心特质。

　　在国际化层面，融创节实现了从单向引进外来艺术，到全球创作者联动共创的升级转变。以《后冬之旅》为例，这支跨国创作团队在吸纳欧洲前沿技术的同时，更深入长江流域采集声音与影像，让多瑙河与长江的生态变迁相融合，以全球化视角丰富作品内涵。展演作品采用全球征集模式，持续收到来自中国、西班牙、德国、法国、瑞士、美国等多个国家和地区的投稿，国际化已成为融创节最鲜明的底色之一。

　　跨学科融合是融创节的核心标志，广泛吸纳非音乐领域创作者跨界参与，实现理工科学者与艺术创作者协同创作。往届研讨会集结音乐、科技、文旅、教育等海内外行业专家，围绕音乐与科技融合的前沿课题开展深度交流。

　　本届主旨论坛中，荷兰皇家艺术和科学院院士马尔廷・A・科恩・斯图尔特以音乐认知研究为切入点，从跨学科视角剖析音乐对大脑认知体系的深层作用。清华大学黄娟团队则立足神经生理学研究，阐释现场聆听对人脑情绪感知、注意力调控及记忆机制的专属激活效应。同时提出，随着人工智能技术不断发展，音乐厅独有的现场氛围感与情感共情空间，依旧是数字技术无法替代的人类精神体验。

　　在本土化深耕方面，融创节聚焦城市记忆与民族音乐，通过数字技术复刻上海弄堂、张爱玲笔下经典场景，探索评弹、方言与数字文化遗产保护结合路径；同时推动古筝、笙等民族乐器的数字化创新表达，让传统音乐在科技语境中焕发新生。

　　交互性的持续升级体现行业发展新动能。从首届肢体交互剧场的初步探索到如今愈发成熟的呈现样态，科技手段让舞者身体成为音乐“第一发声源”，打破传统演出二元关系，为未来演艺形式拓展新方向。

　　艺术与科技的融合，首先对音乐产业形成了实质性推动，实现了从创作工具到消费体验的全面重塑。其一，降低门槛，拓宽音乐消费市场。“新品发布”板块展示的AI智能乐器，重新定义了“玩音乐”的场景与方式。无弦吉他、智能钢琴等数字化产品，让普通人也能享受创作与弹唱的乐趣。这既扩充了音乐消费的潜在群体，也为乐器制造和音乐教育行业带来了新的发展空间。

　　其二，技术渗透，革新创作工具与表达。AI技术已深度介入艺术创作全流程，无论是《后冬之旅》借助智能技术实现的冰川影像融合与时空重构，还是《供养》依托算法特性完成拟人化叙事处理，都展现出AIGC在当代艺术创作中的成熟运用。

　　其三，打通产学研完整链路。融创节不仅不止于成果展演，更致力于孵化未来的创作群体。从2024年首届创意推介会到2025年新增创投分享会，再到2026年完善新品发布板块，活动逐步搭建起从创意孵化到产品转化的完整生态。

　　艺术与科技的融合也为文旅产业注入新活力，助力打造差异化、沉浸式体验。“城叠”装置展的成功实践，印证了“科技+音乐+城市记忆”的组合具备成为文旅爆款的潜力。上海音乐厅四楼被改造为基于VR和空间音频的“时空迷宫”，通过高互动性的展览形式，有效吸引年轻游客与本地深度文化体验者，带动二次消费。2025年融创节吸引超2万名观众走进音乐厅，可观的数据体现了该模式的文旅引流能力。

　　此外，在沉浸式演艺领域，声绘动画系列音乐会打破了古典交响乐受众偏老龄化的固有认知，成功吸引众多亲子家庭与年轻观众。这种将听觉音乐与视觉画面相融呈现的古典乐演绎形式，也为各地旅游演艺、主题乐园的舞台创作，提供了优质的借鉴范式。

　　艺术与科技的融合更蕴藏着重要的社会价值，集中体现在公共美育普及与全民艺术共创的实践中。一方面，技术拉近了艺术与大众的距离。融创节通过大量工作坊和开放式体验，让艺术走出小众圈层，完成从精英化教育走向全民广泛参与的转型。许多观众在体验智能乐器后，感受到音乐创作并非遥不可及，这种发自内心的审美愉悦与自我认同，正是公共美育想要抵达的理想状态。

　　另一方面，平台推动观众走向自主创作。一个动人的细节是，本届作品《供养》的导演何滨辛，正因为观看了2025年展演作品《关于谎言的全部真相》之后深受启发，最终完成了从观众到创作者的身份蜕变。由此可见，融创节已构建起良性生长的艺术生态，它不仅展示成果，更在孵化新一代的艺术创作者。

　　从首届至今，“数字缪斯”勾勒出艺科融合的全新范式。技术融入艺术肌理，赋予音乐作品更多精神内涵与听觉意境。百年上海音乐厅以自身为枢纽，为国内音乐产业数字化转型，树立了鲜活的城市范本。